Cereso, 2003 / Patricia Aridjis. Obra presente en la exhibición "Presuntos culpables" del MAM

Este fin de semana llegan a su final dos exposiciones. La primera, Presuntos culpables en el Museo de Arte Moderno, una exposición colectiva integrada por artistas plásticos como Patricia Aridjis, Teresa Margolles, Carlos Aguirre, Rogelio Sosa, Vida Yovanovich, Santiago Sierra entre otros; quienes han plasmado de algún modo en su obra plástica reflexiones sobre la marginación y violencia en las cárceles. La segunda, Antonio Ruiz “El Corcito” retrospectiva  presente en el Museo Dolores Olmedo, donde se exhiben numerosas pinturas, dibujos y diseños escenográficos que proceden de diversos acervos, tanto públicos como privados.

La visita a cualquiera de estos dos recintos este fin de semana vale por dos, ya que se empalman estas clausuras con dos proyectos recién inaugurados. El MAM ha abierto al público la Biblioteca de la Tierra de Mariana Dellekamp, un proyecto de arte contemporáneo que encuentro fascinante y al cual dedicaré una entrada completa próximamente. En cuanto al Dolores Olmedo, este presenta sus tradicionales ofrendas de día de muertos, dedicadas este año  a hacer una revisión de las ofrendas creadas por doña Lola, su fundadora; quien desde la muerte de Diego Rivera desarrolló un estilo personal para montar sus altares de muertos, como ejemplo de estas características tenemos el protagonismo de las artesanías, el uso de aserrín para decorar los pisos y la inclusión de nochebuenas.

En otros temas, no esta demás comentar que Domenikos Theotokopoulos ya abandonó el Palacio de Bellas Artes. No obstante, tenemos vigente la muy merecida retrospectiva de Pedro Friedeberg, la cual permanecerá abierta hasta enero 2010.

¡Por cierto! olvidaba mencionar la recién inaugurada muestra Una fábrica, una máquina, un cuerpo… Arquelogía y memoria de los espacios industriales en el MuAC, otra exhibición imprescindible de la temporada, integrada por fotografías, esculturas y piezas de video arte,  destacando de la última categoría la pieza  Secret Strike: Inditex de Alícia Framis, video que mediante largos planos de secuencia nos sugiere una inquietante huelga silenciosa.

Sala Polivalente, Universidad de Guanajuato / 6 emisarios

Champ de Bataille, 2007 - 2008 / Isabelle Hayeur

Rituel, 2007 - 2008 / Isabelle Hayeur

Después de una breve ausencia aquí estamos de nuevo. Con múltiples temas que comentar, por el momento deseo anotar sobre la muestra 6 emisarios presentada en la Galería Polivalente de la Universidad de Guanajuato, en el Marco del Festival Internacional Cervantino, el cual acogió este año como invitados de honor a los estados de Québec y Zacatecas.

El interés de esta exhibición curada Eve Cardieux, reside en la posibilidad de apreciar el paisaje de Québec en la mirada de seis fotógrafos: Patrick Altman, Manhieu Baseuséjour, Ivan Bidet, Lynne Cohen, Doyon-Rivest e Isabel Hayeur, quienes exploran el territorio con imágenes que renuncian al uso de los lugares icónicos- turísticos para documentar el paisaje de esta región canadiense.

 En lo personal disfrute enormemente el trabajo de Isabelle Hayeur, de quien se exhiben piezas pertenecientes a la serie Dé-peindre Québec ou l’envers du décor (Representar Québec o la otra cara de la moneda) la cual documenta una serie de edificios históricos que han sido demolidos, sólo conservando su fachada; mediante este trabajo Hayeur cuestiona artificialidad en  distrito histórico de la ciudad de Québec, al poner en evidencia estos cascarones conservados con el propósito de crear una apariencia de “autenticidad”. Así mismo, sobresale el trabajo de Lynne Cohen y sus espacios-ausencia.

Diario de Frida Kahlo

Estimados lectores, antes de continuar quiero confesar no puede evitar la tentación de caer en el lugar común y dejar inscritas en este blog algunas líneas que Kahlo plasmó en su diario en relación a los colores que encuentro facinantes. Con el riesgo de ser catalogado como promotor de la fridomanía me atrevo a transcribir:

Probaré los lápices tajados al punto infinito que mira siempre adelante:

El verde – luz tibia y buena

Solferino – azteca. TLAPALI vieja
sangre de tuna, el más
vivo y antiguo

(Café) color de mole, de hoja que se va
tierra

(Amarillo) locura enfermedad miedo
parte del sol y de la alegría

(Azul cobalto) electricidad y pureza amor.

(Negro) nada es negro – realmente nada.

(Verde hoja) hojas, tristeza, ciencia, Alemania
entera es de este color

(Amarillo verdoso) más locura y misterio
todos los fantasmas usan
trajes de este color, o cuando
menos ropa interior.

(Verde oscuro) color de anuncios malos.
y de buenos negocios,

(Azul marino) distancia. También
la ternura puede ser
de este azul.

(Magenta) sangre? Pues, quien sabe!

Haute Culture, Odd Culture, 2009 /Daniel Knorr

Digital Mirror, 2009 / Daniel Knorr

Validate me, 2008 / Daniel Knorr

Desde el mes pasado la Kunsthalle Basel aloja la exposición Led R. Nanirok de Daniel Knorr (Bucarest Rumania, 1968) donde se exhiben piezas como Haute Culture, Odd Culture la cual consiste en un grupo de espantapájaros cubiertos con ropa de afamadas casas de moda (Chanel, Dior, Lacroix, etcétera). Asimismo se presenta Digital Mirror, una pantalla LED de 30 metros que reproduce al visitante de manera esquemática. Sin embargo, la pieza que encuentro de mayor atención es Validate me, una animación digital presentada en cada una de las cinco galerías de la Kunsthalle  que se alimenta de lectores láser que cuentan el número de visitantes que entran a cada sala. Con esta información, se representa en pantalla a los visitantes como puntos rojos que circulan en un plano de las salas de la Kunsthalle  el cual evoca a una pistola… en verdad sugerente.

Ver más sobre Led R. Nanirok en Kunsthalle Basel

San Sebastián, 2008 / Sandra Gamarra

Tríptico de las Estaciones, 2009 / Sandra Gamarra

Study for the Guest I, 2009 / Sandra Gamarra

Nada más pertinente para este blog que el trabajo de Sandra Gamarra (Lima, Perú, 1972) quien ha empleado diversas estrategias artísticas con el fin de cuestionar la relación entre espectador y  las obras de arte, así como el museo mismo. Ejemplo de ello han sido las múltiples series al óleo en las que captura la relación entre el público y los recintos museísticos, desatando diversas interrogantes sobre éste como espacio para la memoria, clasificación, selección y vacío. En este sentido la autora ha puesto énfasis en la distancia existente entre las “grandes obras de arte” y el público (latinoamericano, por ejemplo), el cual generalmente tiene acceso a las obras por medio de reproducciones, ya que estas “grandes” piezas se encuentran generalmente en museos distantes. Cabe mencionar que este tipo de inquietudes dieron lugar al LiMAC (Museo de Arte Contemporáneo de Lima) un museo imaginario creado por iniciativa de Sandra, el  cual por su origen utópico rocía de interrogantes al sistema.

Ver más en: Galería LemE

Death by cotton candy, 2006 / Daniela Edburg

Death by Slim Fast, 2006 / Daniela Edburg

Death by oreos, 2006 / Daniela Edburg

El día de hoy fue bastante complicado por lo que pensé que sería bueno pensar en un postre ligero, sin mayor inconveniente decidí presentar el trabajo de Daniela Edburg (Houston, 1975), quien vive y trabaja en San Miguel de Allende y Barcelona. Esta chica de origen norteamericano, ha ganado notoriedad con su serie Drop Dead Gorgeous del 2006, una juguetona serie fotográfica donde una serie de chicas encuentran la muerte  por diversas golosinas o productos (galletas Oreo, gomitas, Tupperware o shampoo, por mencionar algunos ejemplos).

Uno de los aspectos que me pareció más  interesantes es la postura de la autora sobre esta serie fotográfica al apuntar que no se trata de una critica al consumo o a los anuncios, sino un trabajo basado experiencias personales, al notar una relación amor/odio que surge por el consumo de estos. Daniela ejemplifica al respecto “Es como cuando observas una hermoso empaque de galletas Oreo brilloso y atractivo, hay una promesa de dulzura y placer; así que lo abres y lo comes, pero al final sólo obtienes dolor de estómago, migajas y basura”.  Digo que encuentro interesante esta postura, porque que muchas veces se adjuntan valores exógenos a los esfuerzos plásticos originales tras ser sometidos a la opinión pública. Pero Eldburg es muy franca al respecto “Muchas veces el trabajo es percibido más interesante de cómo fue concebido”.  No obstante, su trabajo a funcionado bien, ya que se encuentra inserto en el circuito de las galerías. Es representada en especifico por la galería Kunsthaus ubicada en Santa Fé, Ciudad de México, la cual también representa artistas como Iván Puig y Dulce Pinzón, cuyo trabajo también encuentro encantador.

>Click aquí<  para ver entrevista y galería de imágenes

Wheatfield- A confrontation, 1982 / Agnes Denes

Esta mañana mientras repasaba mi mente en búsquela de alguna idea para ingresar al blog, recordé una conocida pieza de la artista Agnes Denes titulada Wheatfield – A Confrontation (Campo de trigo – una confrontación) de 1982. La cual consistió en sembrar y atender por cuatro meses, dos acres (casi ocho mil metros cuadrados) de trigo en un parque de Manhattan, ubicado a sólo unas cuadras del Wall Street. Hasta cosechar aproximadamente cuatrocientos cincuenta kilogramos de trigo, los cuales viajaron por el mundo en una exhibición llamada “The International Art Show for the End of World Hunger” organizada por el Museo de Arte de Minesota.

Pensar en todo este alimento sembrado en la ciudad de Nueva York como dispositivo para cuestionar los valores económicos frente a la pobreza y la devastación de la naturaleza, me parece sumamente vigente a casi treinta años desde su realización… como para pensar en ello todo el día.

Admitimos que se haga a estas necrópolis una visita anual… como va a verse anualmente a los muertos queridos, y hasta concebimos que se ofrenden flores a los pies de La Gioconda una vez al año… ¡Pero ir a pasear a diario por los museos nuestras tristezas, nuestros pobres arrestos y nuestra inquietud, no lo admitimos!… ¿Es que queréis envenenaros? ¿Es que queréis pudriros?

¿Qué puede encontrarse en un cuadro antiguo más que la contorsión penosa del artista esforzándose por romper las barreras infranqueables a su deseo de expresar su ensueño íntegro?

Admirar un cuadro antiguo es verter nuestra sensibilidad en una urna funeraria, en lugar de lanzarla hacia adelante con ademán violento de creación y acción. ¿Queréis, pues, disipar vuestras mayores energías en una admiración inútil al pasado, de la cual habríais de salir forzosamente agotados, empequeñecidos y rendidos?

Filippo Tommaso Marinetti, fragmento del Primer Manifiesto Futurista, 20 de febrero de 1909. Primera página del diario parisino Le Figaro.
Ver manifiesto completo

Un automóvil rugiente, que parece correr sobre la ráfaga, es más bello que la Victoria de Samotracia.

Aprovecho para sugerir la entrevista al Historiador de la cultura Donald Sassoon, publicada en el periódico El País: “La Gioconda’ es popular por casualidad” una breve entrevista que expresa palabra por palabra lo que les quería transmitir. Espero lo disfruten.

Y ya entrados en el tema me gustaría traer a colación el (ya no sé si cómico o sugerente) gesto de una turista rusa, quien arrojó una taza a la pintura en cuestión el pasado mes de agosto. Me parece el más encantador uso de un souvenir del que haya tenido noticia. Ver nota

Sobre este tema, recomiendo visitar:

[1] http://lancewakeling.com/index.php?/slideshows/untitled-vandalized-paintings/ una curiosa galería donde se pueden apreciar los daños que han sufrido seis obras de arte.

[2] Art vandals Un conocido proyecto del artista Felix Gmelin quien entre 1994 y 2001 ha reinterpretado obras de arte que han sido víctimas del vandalismo.

Autoretrato 1655 / Rembrandt. Staaliche Kunstsammlungen, Kassel. Daño sufrido en 1977.

La Venus del espejo, 1647-51 (detalle) / Velázquez. National Gallery, Londres. Daño sufrido en 1914.

La Gioconda 1503–06 / Leonardo da Vinci. Musée du Louvre, Paris. Durante el robo de 1911.